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[影视娱乐]现在的年轻一代在看大师经典电影时，会有很强的「时代割裂感」吗？ |
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本问答收录于吴天明青年影展话题，吴天明青年影展旨在扶持电影行业的年轻力量，9月14日-9月19日，嘉兴南湖，与你不见不散！ 当05后、10后的年轻观众… |
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会。 早十几年前就有很多人吐槽“不是吧，《公民凯恩》好无聊啊？这是啥影史经典？” 这种割裂是允许的。 电影最早诞生在马戏团，类似跑马灯和拉洋片，属于杂耍范畴。后来这种表现形式被发现可以用来叙事，就找来一行舞台剧、话剧的编剧演员，把舞台剧、话剧拍下来。这样的好处是拍一次就可以放很多次，节约很大成本。 很长一段时间，“电影”只是其他艺术的“记录”。最早追溯的一些“电影雏形”，像《消防员》这些，“本能”的就使用了一些“电影手法”，比如蒙太奇。这个本质还是话剧的换画片和拉幕布。 那么这些手法是慢慢被借鉴、使用、总结，最后形成电影理论的。这也是我一直解释的：不是好莱坞发明了这些手段（当然也有很多手段就是好莱坞的电影人发明的），而是他们汇总、总结、提炼的。这个例子我也举过，最早的黑白电影《小兵张嘎》的剧本结构，就是完全的“好莱坞套路”，把故事背景和人物、场景全换了，情节半点不动，就可以是任何英雄成长类的电影。不论是西部片，还是超级英雄片。都适用。总不能说那时候中国电影人都集体好莱坞进修过吧。 那么，这些电影诞生初期的伟大且经典的电影，就是天才们自觉或不自觉的借用或创造电影技术和手法的展示。这类电影，一般都被叫做“划道”的电影，就是电影是这么拍的，它们给划了赛道，后来者上面跑就行了。 《公民凯恩》的威尔斯一部登天，可后面就真的惨不忍睹。也侧面说明了，当时确实是他天纵奇才，那些技巧和手段他并没有很好的总结归纳。这事情自有后来人做的 那么两年后的《卡萨布兰卡》也是这类电影，它的命运就好很多。至今我是没看到过有人问“《卡萨布兰卡》为什么这么无聊”，当然这也是基于它在剧作上的伟大表现。 懂行的人，看完《卡萨布兰卡》吃透它的剧作，它给划的道吃透了，基本就可以在电影编剧这个行业里横行霸道了。 这两个例子其实就说明了，“时代割裂”不够准确，“割裂”的也并不是电影本身。题材，核心情节，才是“割裂”的核心。 这种割裂，大概在库布里克这类导演身上会更明显。就像很难在希区柯克的话题下面听到太多割裂的声音一样，题材和核心情节是割裂的本质，因为很多故事只是换了讲述材质而已。当然，导演发挥的表现力也是电影魅力的一大块。 所以，简单回答题主提问就是，现代年轻人对大师作品产生“时代割裂感”，是不太存在的。人类听的故事，和几万年前山洞里我们的祖先听的故事区别“不大”，讲故事的材质和手法并没那么“强大”。那么，年轻人对久远大师作品的“割裂感”更多来自题材和核心情节。这种割裂感，和时间无关，和大师似乎关系也不大。这就跟听音乐、喝酒一样，口味问题。真要去深究，大概也许那些大师并不比你我“懂”更多。很多时候，一种表现，一种表达，都是很“茫然”的。只是这种茫然刚好击中几个人还是大部分人的区别。 所以，我一直强调，在没有玩明白经典结构之前，别老想着“自由表达”。 毕竟毕加索十来岁的素描和油画水平就已经是很多人一辈子的高度了。他玩点啥，都是真牛逼的。最近的姜文也是个例子，能搞《让子弹飞》和《太阳照常升起》，但照样也拍得出，我都懒得记名字的那个什么电影。 所以，“年轻人”不必去看“割裂感”的电影，不割裂的好电影也一大堆呢。 |
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大部分不会。 就像年轻一代仍喜欢余华，并给他起了“潦草小狗”的外号。余华的诸多作品对年轻人来讲，都属于“上个时代”的老物，但作品背后所传递的情感内核是共通的。 电影也是如此。 尽管很多老电影画质早已不清晰，但影片表达的情感、对人性的思考，却一直散发魅力，影响一代又一代观众。 1.亲情 |
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1948年《偷自行车的人》不仅是意大利新现实主义代表作，更是影史经典。 黑白画面下刻画出一位朴实、感人的父亲，讲述了一个真实又残酷的现实故事，无论是哪国的观众、无论身处哪个时代，都会为这个故事感动。 贾樟柯评价该片“即使外国人的大鼻子比我们长得更大一些，这部电影看起来也好像是在我老家拍摄的。” 故事发生在二战后的意大利罗马，人们失业贫穷，男主角安东尼奥好不容易找到一份贴海报的工作，本以为能让揭不开锅的日子有所好转，却被告知，这份工作必须有一辆自行车，否则就干不了。 安东尼奥本来有一辆自行车，由于生活贫困已经当掉了，无奈他只能和妻子用家里的床单再去当铺，赎回自行车。 有了工作，安东尼奥眼里充满了希望，带着儿子开启贴海报的工作。天不遂人愿，工作第一天，自行车就被偷了。 安东尼奥紧追偷车贼，可两腿怎能跑得过自行车，为了不让妻子担心，他带着儿子开始寻车之路，甚至还找到曾经看不起的神婆去占卜。 几经周折，安东尼奥遇到了偷车的贼，可就算把警察叫来，由于看不到赃物，也无法将小偷绳之以法。同时，安东尼奥看到小偷家也是家徒四壁，心中难免生出了怜悯。 儿子在寻车途中又累又饿，吵着要吃东西，一心寻车的安东尼奥训斥儿子，并把孩子留在河边，自己去找线索。 这时，河边传来儿童落水的消息，安东尼奥焦急万分赶到河边，虚惊一场，儿子还委屈巴巴地坐在河边等着他。 安东尼奥自觉对儿子愧疚，索性拿出口袋里的钱，让孩子好好吃一顿。孩子开心地吃着笑着，安东尼奥眼中满是歉意，如果没有丢车，一家人都能过得好些。 没有自行车，就没有工作，下个月又有什么拿来当呢？ 走出餐厅，安东尼奥看到了停靠在路边的一辆自行车，他犹豫了一下，给了孩子零钱让他先坐公交回家，自己再找一会儿，其实他是把心思用在了别人的车上。 安东尼奥徘徊了很久，内心反复挣扎，最后还是决定骑车溜走，但他没有这么幸运，被众人拦下、指责、谩骂。羞愧难当的他，在人群的缝隙里看到了自己的儿子。 作为父亲，没有给孩子做好榜样，这份失落和愧疚比众人的批评难受百倍。 |
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影片结尾，安东尼奥领着儿子走向人群。父子俩通过彼此紧握的手，给予对方走下去的力量。 没有自行车，他们一家明天的生活会如何？ 穷人的生活总是充满无奈，总会出现各种各样的状况，不知哪一件事会摧毁摇摇欲坠的家。可相比于贫穷，一家人安全、健康地生活在一起，才是最宝贵的。 2.爱情 |
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前几年爆火的《牧马人》那句台词“老许，你要老婆不要？”就是个例子。 年轻一代回看1982年《牧马人》，竟不比老一辈观影投入的情感少，反而又注入了新的时代感慨。 《牧马人》讲述的是上世纪60、70年代的故事，许灵均因出身问题被下放到西北牧场劳动。 许灵均的父亲与家庭决裂，远走美国，母亲不久去世，孤苦无依的他来到农场，背负着父亲带来的骂名，简直抬不起头。望不到头的日子里，他甚至想过轻生。 庆幸的是，朴素的牧场老乡老郭并没有因为出身的事情为难他，送来的一碗热汤、平时的一句问候都让近乎绝望的老许，感受着人间的温情。 这时候，老郭见到了逃荒而来的瘦弱女孩秀芝，张罗着给她找对象，谁成想有人嫌弃秀芝瘦小，老郭斥责：自己老婆也是逃难来的，现在还不是白白胖胖。 转念想到许灵均，索性给两个人搭了线。便有了这句经典台词“老许，你要老婆不要？” 许灵均和秀芝就这样简单地走在一起，人生的绝境处给了彼此温暖以及活下去的勇气。 家徒四壁的许灵均自知没有能力让秀芝过上富裕的日子，他更是自卑于出身给秀芝带来麻烦。 他说“我是犯过错误的人。” 秀芝说“以后不犯就是了。” 一段对话，没有你情我爱，却让人无尽感动。甚至说，这是现在这个时代的作品很难表达的感情层次了。 多年后，许灵均父亲从海外归来，对他描绘国外的种种。老许与父亲的对比十分明显，一个以家庭为中心，一个自我感受至上。 老许面对父亲的邀请，毅然选择与妻子、孩子留下来，过着普通人的生活。 《牧马人》上映至今40多年，老许的诚恳、秀芝的善良、老乡的淳朴，电影传递出人与人之间纯粹、真挚的情感，无不感动着一代又一代的观众。 尽管故事背景已经离年轻人的生活遥远，情感的震荡泛起的涟漪，却久久回荡于绵延的时空里。 3.人性 经典电影不仅情感动人，故事所探讨的人性话题，也同样为不同时代的观众提供解读和理解的空间。 比如《芙蓉镇》。 1987年的《芙蓉镇》，如今豆瓣评分9.3。 |
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今年年初，我陪着妈妈回看了这部剧。 故事背景与《牧马人》类似，也是上世纪60、70年代的故事。 与《牧马人》情感主线不同，《芙蓉镇》不仅讲了爱情，更多阐释了在苦难和困境面前，人性的善与恶。不同的人生选择背后，探讨着“生而为人”的意义是什么。 白手起家的“豆腐西施”胡玉音，生意越来越好，遭人妒忌，被人趁机定性为“富农”。 家没了、店没了、丈夫死了，胡玉音被安排和“右派”秦书田一起扫大街。 大雨瓢泼，其他人都在躲雨，他们却毫无避雨之地。 电影那句“像牲口一样活下去。”无论何时看，都给人心头一击。 |
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永远无法估量人性之恶的底线，正如无法勾勒人性之善的边界。 绝境之处，唯有活下去才有希望，才有转机。 不同时代的观众，都能从《芙蓉镇》感受到生存困境下的顽强又倔强的生命力，这句台词尤其在身临绝望时，听起来充满无限能量。 那些动人的经典电影，并不因为其时代久远而被淘汰，反而因其深刻的内涵被一代又一代人观看和喜爱。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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我读博士的时候，研究方向是[乌托邦/反乌托邦美学]，专门从事这方面的文创作品的研究分析，从我的个人经验来看，越是大师经典电影，越有一种【其实你想写启示录，但你写成了操作指南】的感觉。 不管是乌托邦系列还是反乌托邦系列作品都是如此。 我研究这个系列作品的时候发现很有意思的两种历史学角度。 第一种是[历史终结论]角度，意思是说历史阶段发展到最后会迎来【最高形态】。第二种是【历史循环论】角度，意思是说已经发生过的事件会再度发生，历史是循环的。 既然如此那总有一天我们会看到相似的文艺表现形式，时代看起来是割裂的，但过去的事情还会再度发生，不管艺术表现方式是什么。 梁亦昆在文章《游戏如何讲述历史？数字游戏中的历史演进与现实映射》就提过，历史演进模式有三种，分别是线性历史、循环历史以及（伪）或然历史，分别对应着时间意识上的“直线”“圆环”与“分叉”。 梁亦昆：游戏如何讲述历史？数字游戏中的历史演进与现实映射 在历史终结论角度来看，乌托邦的表达方式，是认为历史发展到最后一定会迎来一个类似理想国或桃源乡式的社会形态，在这个社会形态下，大家一定会生活得到极大富足，精神得到极大自由，生产力得到极大发展。在大师经典电影里，基本就是以[大家一起包饺子]或[合家欢歌舞]的方式来完成。 |
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比如我看过一个有点老的乌托邦电影《欢乐谷》（Pleasantville，1998）。这部电影的发行时间看起来不老，但故事一开始看起来就是一个类似50年代黑白电影的世界（借助的就是1958年这个时间），正是因为大卫和珍妮弗在进入到这个名为欢乐谷的黑白世界后，把这个世界变成最后具有色彩，才让我感觉到什么叫做【美不自美，因人而彰】。 小说就更不必说了，乌托邦三部曲本身就是诸多乌托邦文创作品的思想起源。 |
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《乌托邦》《太阳城》《基督城》以及之后的《乌有乡消息》《回顾》都是在描述一副未来世界是如何理想生活的模样，虽然用现在的眼光来看，可能这些想象有些过时，但依然有我们现在想做却无法达到的理想国家。 要知道《乌托邦》这个小说写出来的时候，距离现在已经至少有500年了，它是1516年出版的作品。在这本小说里，他说： 幻想着能有一个地方：财产公有，政治民主，共同劳动，按需分配，高效公平，没有剥削，没有贫困，人们安居乐业，过着幸福美满的生活。 这哪里会有什么时代割裂感呢？我会觉得这是每个时代的人都拥有的历史想象。 俄罗斯宗教哲学家别尔嘉耶夫就说过：“乌托邦是人的本性所深刻固有的，甚至是没有不行的。被周围世界的恶所伤害的人，有着想象、倡导社会生活的一种完善的和谐的制度的需要”。 而反乌托邦的表现形式则是完全不同的，它给出了很多理由，认为乌托邦想象更多只是一种幻想，最后我们会不可避免地迈向糟糕的未来。 从逻辑学角度来说，反乌托邦作品可以从四个思路演进去展开，分别是对立关系、递进关系、缺失关系和隶属关系。 在我的这个回答里写得非常详细：如何评价观点「反乌托邦作品的内容高度模板化」？ 对立关系里的反乌托邦 承担的是 惩戒功能，用以惩罚不遵守乌托邦规则的群体。 递进关系的反乌托邦 认为反乌托邦是实现乌托邦的过程 或 乌托邦发展到极端就是反乌托邦 缺失关系的反乌托邦 是对善的匮乏，于是产生了各种不完美且各具残缺的反乌托邦 隶属关系的反乌托邦 将反乌托邦外在环境的极端情况下，塑造了一个更小的看起来像是幻灭的乌托邦 在我说的那个回答里，列举了茫茫多的作品，从小说到电影再到动画，那似曾相识的感觉真的是非常明显了。 我还有另外一个回答，说的是《火影忍者》里的无限月读。 当然不能说《火影忍者》就是经典——虽然也确实是经典，他几乎塑造了BL双男主的一个性格样本，以及【重男】到极端到底是什么样子——但我说的是，无限月读不是什么经典。 因为无限月读其实可以在之前很多经典哲学思想实验中找到。 当然我这个回答最后好像是有点烂尾了，不过前面2万字左右已经讲得蛮清楚了。 |
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你是否愿意活在无限月读下？396 赞同 · 59 评论 回答 |
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真的很眼熟，无限月读的思想实验，就有一种缸中之脑、快乐体验机等诸多上个世纪哲学命题提出的感觉，所以这些大师的经典作品，是会随着时代不断延续，然后有新生的。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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01年在vcd上面看的终结者2 毫不夸张的说，这是我人生第一次看的好莱坞大片，极具震撼。 现在年轻一代别说看经典电影了，就是看个动画片都是删减版。 所以，我不建议年轻人看老电影 我们这些老年人应该跟着年轻人看他们喜欢的东西。 比如我儿子看的小猪佩奇，刚开始我觉得幼稚，后来才发现，这是一部非常优秀的动画片 |
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艺术史上的“经典”通常包含两层含义：一层是针对读者的，一层是针对艺术史自身的。就针对读者这一方面来说，“经典”指的是在经历一段时间的传播后，依然能在后面的历史时期有较大影响力和认可读的作品。而站在第二层面的含义来说，“经典”指的是能对艺术自身发展起到重要作用或在某一阶段具有代表性的作品。 以中国古代文学来说，楚辞、汉赋当然是绕不过去的经典，中国古代文学的发展中也起到了重要作用，但是今天的读者很少愿意读这些东西。而李白、杜甫、白居易、苏轼等人的诗词今天依然有很多人读，至《三国演义》、《水浒传》这些作品，国民度也就更高了。 汉赋的知名度不如《三国演义》，绝不代表其水准不如《三国演义》，只是不同时代的阅读偏好本就差异极大，“经典”在不同时期的境遇也会存在差别。 另外，艺术史上也常存在这么一种情况，就是某个在当时不被视为经典的作品，可能会被后世的研究者评价为经典，进而进入后代人编写的艺术史的经典序列。而一些在当时被视为经典的作品，则有可能被后人认为不具有经典性而剔除经典序列或降低评价。 这一点本不难理解。但如前面所说，由于“经典”具备两层含义，如果不明确这一点，很多时候就会出现这种含义层面的错位。 如果要给二者一个相对准确的界定的话，应该说，“经典”主要是针对艺术史而言的，但艺术史中的一部分“经典”可能因为其题材、类型、语言风格等因素，会在几十年、几百年乃至于几千年以后还有人愿意阅读和理解，而另一部分作品则会因特殊的时代背景、特殊的题材等被人忘却或者冷落。 影响这个选择的因素是很多的。通常情况下，一个作品与时代绑定的越紧密，当这个时代结束之后，观众或者读者会因为时代背景、生活环境的疏远，降低对其的兴趣。而如果一个作品更倾向于表达情感、伦理、精神困境等相对内在的东西，且时代只作为事件展开的背景而存在的话，就有很大可能会跨越几百年、上千年还具有极大的影响力。 但站在当下的时间节点，没有任何人会预测未来几十年、几百年的社会会发生怎样的变化，所谓“好的作品不会被时间困住”，只能说是一种比较理想的情况。换言之，你只有到了几百年以后，亲眼看到某些作品还在被人读、被人看、被人听的时候，才能知道到底哪些作品跨过了这个坎。但不到那个时间，谁也不能下确定的结论。 当然，如前面所说，每一个时代的人也会以自己的方式筛选经典。文学史学者更熟悉的例子，是张爱玲作品的经典化——在改革开放前的中国现代文学史中，张爱玲的名字几乎不怎么出现，也少有人读张爱玲的作品，但在上世纪八九十年代，因国内外环境的变化以及中外学术交流的增加，再加上整个出版业对张爱玲作品的宣传，张爱玲也就成为了中国现代文学史中一个必须要提到的名字。 所以，我在之前一些有关文学名著、文学经典等相关的问题里，也多次说过这样的观点，“经典”、“名著”这些东西往往都是基于艺术史、文学史自身而被定义出来的，你如果是专门的研究者，多看一些没任何问题，但如果说你不是这个领域内的，就没必要非拿“经典”来自虐。 说个容易理解的意思就是，如果你是先秦史、秦汉史的研究者，那《左传》、《史记》、《汉书》这些书就必须是要看的。但如果说你只是对秦汉史感兴趣，想知道那个时间段发生了什么，那看一看《中国通史》之类的作品，知道个大概也就行了。 此外，还要特别补充一点就是，当一个时代过去之后，对于“经典”的理解深度，还取决于有无一些知识性内容作为基础。具体来说就是，对于一个过往经典作品的理解，必然要基于那个时代的具体情况，而能否了解那个时代的具体情况，就会对最后的解读产生重要影响。在中外的艺术评论传统中，“知人论世”从来都是最基础的原则之一。 我看这个问题被收录在了吴天明青年电影展的专题下。其实吴天明导演本人的作品，恰恰就可以作为很好的例子。吴天明导演的代表作是《人生》、《老井》、《首席执行官》等，本人也包揽了国内电影三大奖。其中，《人生》改编自路遥的小说原著，这部作品在被推介到国外时，就被很多欧洲观众认为“看不懂”——因为对发达资本主义的老欧洲来说，很多人并不理解中国的城乡二元制，也不理解户口、编制等对中国人意味着什么，这就是文化隔阂产生的影响。而《老井》中，张艺谋贡献出了非常精湛的演技，一举拿下了东京国际电影节的影帝，这部电影也拿下了东京电影节的最佳导演奖，但今天也已经没多少人会看这个了。至于说《首席执行官》，是以海尔作为原型的，在当时口碑也不错，但今天也没什么人会看了。 以上总结下来，核心其实就是一句话，如果你对经典感兴趣，那就在经典之外多深入了解当时的社会、时代背景和人文观念，这样才可以更好的解读经典，而如果你并没有对这个领域进行深入了解的兴趣，那，对对什么感兴趣就多看看什么，不感兴趣就少看，没必要拿“经典”束缚自己。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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对于这个问题我的答案是比较中立的，当年轻一代重看经典时，既会有「时代割裂感」，也会有「超越时代的共鸣」。 先讲割裂感。 一代人有一代人的时代环境，有独特的社会环境历史背景，这些构成了我们独特的代际底色。 就像家庭成员之间的「代沟」，父母辈可能无法理解我们为何对“打工人”“内卷”这些词感同身受，我们也难以完全体会他们年轻时“铁饭碗”“下海”的激情与顾虑。 还有一些具体的生活习惯，比如80后在比打电话的手势时基本上是一个“6”的手势竖着放在耳边，而00后开始几乎都是一个手掌摊开放在耳边。这两个具体的动作照见的是生活上的差异。还有对钱的概念，父母辈的人常常脑海里是现金或者真金，而新世代几乎掏出了手机。 把这些具体的东西放进电影里，当然会存在割裂。 一句很流行的金句说：“从前的日色变得慢，车，马，邮件都慢，一生只够爱一个人。” 当然，老电影里的情节也都是“书信传情”，而新世代恨不得连微信不秒回都嫌慢。 |
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《卡萨布兰卡》里有句话：“世界上有那么多城镇，城镇中有那么多酒馆，她却走进了我这家。”可能在短视频短剧里只能是“家人们谁懂啊！在酒吧遇到crush了！” 这个时代，文艺和文艺青年好像成了负面的表达，而曾几何时，那可是男男女女追逐的光啊！ 光也会熄灭在时光里。 还有就是「价值观的碰撞」。 随着时代的变化，从前被推崇的价值观可能已被如今的时代抛弃。 我自己经历过琼瑶剧盛行的“爱情至上”的年代，那时候恨不得是为爱牺牲一切，真爱无敌，《一帘幽梦》里“你只是失去了一条腿，而紫菱失去了她的爱情”从前看竟然都没有觉得不妥，还有《玻璃樽》等爱情片以及各种“有情饮水饱”的表达。 可是如今这个年代，好像过了鼓吹爱情的风头。 |
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曾经《乱世佳人》里斯嘉丽拼命让保姆把自己的要用束腰带拉的更细一些，用窗帘做裙子，现在或许会被当成是“物化女性”“魅男”的反面教材。我们好像更能被她勇敢地拥抱土地，放弃爱情维护家族生计的大女主独立对抗生活的状态所打动。 曾经我们看爱情，甚至只看爱情，现在却习惯获取那些爱情以外的叙事。 所以当电影的主题侧重与时代车轮相悖时，观众必然会产生某种割裂的不舒适感。 再说共鸣。 尽管存在隔阂，经典电影中的人性洞察和情感真理却能穿越时空，触动人心。 就好像不同行业之间有些内部底层联系是互通的。比如做生意都要考虑成本收入和利润，不管做什么生意都是这样的。 电影作为行业产物，本身就在行业的逻辑左转着，所谓万变不离其宗，思想灵魂的表达，艺术的传递，在底层内核和关于人性世界思考的部分势必会存在共通性。 刚才说隔阂的时候，提到爱情观的迭代，但是关于爱情的探讨却从未离开过电影。 |
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比如《甜蜜蜜》虽然带有鲜明的时代特点，从人物经历来说有着不可逾越无法复制的特定历史阶段性，但是里面传递的情感传递，包括男女主的互动，情感升温，到三角关系的挣扎，选择，包括婚恋观的探讨，依然有超越时代的基础，没有港漂，还有京漂、沪漂，每个时代里也都有多维情感关系，也都难以逃出新欢旧爱、现实理想的抉择。 |
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再说爱情之外的情感。《霸王别姬》中程蝶衣对艺术和对身份认同的挣扎，那种“人戏不分”的执念与痛苦，虽然戏剧文化已经走过了它的高峰期，但思想的深刻，跨越时代，依然触动人心。 还有一些作品，跨越时光与如今的现象不谋而合。比如《楚门的世界》在1998年预测的现实娱乐化和窥私欲，在当今这个社交媒体和直播时代反显得先知先觉。还有那些90年代的科幻片，很多设定如今看已然落到实处，让我们不得不感慨，艺术的先发性和预见性，实在令人惊叹。 如何看待这种既熟悉又陌生的体验？我认为关键在于找到平衡点。 我觉得在观看经典看电影时，不是去刻意回避或者过分鼓吹，而是要在「时代的割裂与共鸣」中找到平衡。 保持开放的心态，允许自己对经典既感到陌生又被触动，既批判又欣赏。让观影体验的复杂和多样成为一种享受。 我是 @萝茉莉 。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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我觉得这个问题需要分开来看。 因为我们去欣赏一部电影时需要从多个角度。而这个问题里的表达是“时代割裂感”所表达应该是我们看电影时无法代入那个电影脱胎的那个年代，从而导致对于电影的欣赏不够，感觉不知所云。大年轻人的知识摄入的方式决定了他们不会去深究一部电影的很多地方，但也只是大部分。 |
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如果要与某部电影达到灵魂层次的深度共鸣，就必须去了解那些东西。这是真正的爱好者会主动去做去思考的问题。就像是文学作品里的经典他们也有他的时代性，也有他们的难懂性。但是能让我们思考以及自我精进的方式都不会是简单的。这才是读经典的意义。这个问题放在任何时代都是存在的，并且我觉得更多的是需要自己去主动的去从经典当中去解析获取很多东西。也许这种困难才是读经典的意义。在这艰难的透过时代，透过社会的氛围，透过哲学的思考，才是让我们真正去提升自己，理解世界的过程。这是对第一个问题的回答 |
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接下来你问的是一个作品的时代性。确实有它的时代性，但真正的经典的电影，他所讨论的东西都并不仅仅是简单的表面上的。我举个例子杨德昌的电影《麻将》，里面所展现的是九十年代的台湾，经济飞速发展所带来的问题，欺骗成了社会的常态。很多人通过欺骗赚了很多钱。“这个世界上的人都不知道自己要什么”骗子用哲学去骗人。这些东西需要去了解当时台湾的时代背景，亚洲四小龙。但是也一直在美国以及西方的掌控之下。电影里所说的“在台湾只要说英语”，还有他们打牌的时候那个地方，美国的国旗到处都是。杨德昌表面上展现的是台湾省当时时代上的问题，但是这些问题的思考的层次，它并不仅仅如此。这些东西放在这个时代不也一样吗？就像电影里面小活佛，用宗教这种伪装成活佛的身份来欺骗人。现在在我们生活中不也很多吗？就像骗子红鱼所说的哲学“这个世界上大多数人都不知道自己想要什么，只要你告诉他，他想要的是什么，他就会照做”，我们所处的时代不也是如此吗？抖音短视频里不也在告诉我们怎样度过自己的一生吗？不也在跟我们说，我们应该有什么样的梦想吗？不也有什么样的方式才是人间烟火吗。不也是告诉我们，七夕的消费是一种浪漫吗？离那部电影拍摄已经过去了将近30年，那些东西它不也依然是如此吗？ |
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对于这些大师来说，他们是拿他们时代的材料来展现他们的思考。他们的思考也超越那个时代。作品本身展现的有些东西，它是具有时代性。但是电影本身的美学以及它的哲学的思考，是超越时代的。就像侯孝贤电影里的那种美学，那种源自沈从文冷眼看生死的那种镜头观，而这背后更深远的源头是中国的那种传统的美学。当人的情绪在自然中慢慢的消解，我们会明白人世间的很多事情都是如此，但是水流山还在。这种苍凉的感觉扑过面目而来。如“淮南皓月冷千山，冥冥归去无人管”。而杨德昌电影的哲学思考，就像是鲁迅“用一种黑暗来点燃另一种黑暗”。当然，我只是举了两个中国的导演的例子，其实还有很多其他的。我觉得内核其实大差不差。每个导演所汲取的材料肯定是取决于的那个时代。但是能够让他们所超越时代的是，那种源自文化深处，源自内心深处的美。以及超越时代的那种哲学的叩问与思考。 |
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最后一个问题，你是问年轻人是否在定义新的经典。时代是在发展，就像是AI的出现，会让我们的生活有所改变。肯定会有新的经典出现。新的审美的方式，新的哲学上的思考。是经典的形式可以改变，是经典的内核，永远都是一样的。没有那么高的思考的深度以及审美的高度，那样的经典也经典不了几年。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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这是《洛奇》，第一部上映于1976年，距今49年。 你能在其中看到大量后来相关题材对《洛奇》的借鉴，包括但不限于《七龙珠》《百万美元宝贝》《叶问》。现在看《洛奇》有一种看套路大合集的感觉，但《洛奇》是开创者，套路太多不是《洛奇》的错，是后来的借鉴者太滥用，导致《洛奇》正常的剧情几乎全变成了套路。 值得一提的是《洛奇》剧本是史泰龙自己写的，当时他名不见经传，四处碰壁。 |
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《十二怒汉》，上映于1957年，距今68年。 一个半小时的电影，全程12个人在闭塞的空间内，仅用对话就完成了影史上至今无法超越的经典。 |
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卓别林，1920年前后，距今105年。 卓别林的影响力有目共睹，不需要过多叙述。 |
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巴斯特.基顿，1920年前后，距今100年。 早生了100年的电影大师。与他相比成龙的特技动作，周星驰的现实主义荒诞，也只是一种不太拙劣的模仿。 |
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《地雷战》，上映于1963年，距今62年。 国内不知道《地雷战》的人，估计比大熊猫还稀有。 |
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南斯拉夫电影《桥》，上映于1969年，距今56年。 如果没有《桥》，南斯拉夫这个社会主义联盟早就成为故纸堆里无人问津的一个名词了。 |
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《2001太空漫游》，上映于1968年，距今57年。 该怎样评价这部电影呢。 如果说没有《2001太空漫游》，毫无疑问，《星际穿越》将是影史最好的太空电影。 |
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莱昂内，往事三部曲，1968至1984。距今57年。 |
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《教父》，1972年上映，距今53年。 |
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《高山下的花环》，1984年上映，距今41年。 中国最好的战争片。 |
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《从海底出击》，上映于1981年，距今44年。 对真正热爱电影的人来说如同佳酿，对路人来说就是一种煎熬。 |
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《乱》 《七武士》，1954年上映，距今71年。 如果电影界真的有一位皇帝，一定是黑泽明。 |
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这是李小龙，第一部传统意义上的李小龙电影《唐山大兄》上映于1971年，距今54年。 现在很多人第一次看李小龙的电影，总是期待紧张刺激华丽无比的打戏，然后发现没有。 与后来的成龙，李连杰，甄子丹这些武打明星相比，李小龙的动作既不华丽，也不套招，奔着刺激去的观众总是失望而归。 事实上李小龙电影即引领了动作片繁荣了四十余年的一个时代，也始终站在这个时代的巅峰，且是唯一站在这个巅峰的男人。 李小龙是足以与黑泽明，巴斯特.基顿，希区柯克，莱昂内并列的电影大师。 放下过去对李小龙本人的滤镜，沉浸在他电影中去，你就会明白，当年全世界无人不知无人不晓的影响力到底是怎么来的，其中又蕴含了怎样的能量。 以上这些最优秀的电影，一直在讲的都是人，百年也好，千年也好，人类的灵魂其实是一成不变的。所谓割裂感，是没有欣赏艺术的能力罢了。 |
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可以在老一些，古早的《偷自行车的人》《流浪儿》，杨德昌的《青梅竹马》《恐怖分子》。。。这种电影，就很共情，社会的矛盾每个年代都差不多，对自我的焦虑每个年代也都差不多。近些年也会有关注青年人的影视作品，我突然想起了《庸才》《大象席地而坐》 虽然每个年代都有属于那个年代自己的问题，和自己的表达方式。 经典没有被重新定义，而仅仅是在被一遍又一遍的复刻。 不过现在被信息茧房，意见领袖，民粹言论等包围而已。 只是以为被重新定义，都是噱头。 都是玩剩下的，创新不过是趋势的必然而已。 人对内心的审视，从来没有创新。 |
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什么叫大师，大师就是超越时代才有资格叫大师。 上个月我给儿子放卓别林的《城市之光》，1931年的电影了，快100年了，我儿子才小学，他笑得鼻涕都出来了。 后来又给他看了《淘金记》，1925年的，真正100年了，他特别喜欢面包跳舞那段，还到学校去给同学模仿了一下，因为浪费面包被老师训了。 我自己，重看黑泽明的《七武士》，1954年的电影了，仍然觉得比现在绝大部分电影牛逼，台词演技剧本无一不精，特别是最终决战，几十个人的乱战拍出了千军万马的气势，何等的功力。 仔细想想，近十几年真没有这样能超越时代的大师了。 难道指望超级英雄电影出大师？ 言情剧出大师？ 逗个乐得了。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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再经典的文艺作品都逃不了两个魔咒。 一，时代背景。无关这个作品有多么跨越时代，不是你这个类似的时代背景的人，能接受的程度就会降低。欣赏美是有门槛的，出了性与暴力。 二，庸俗化。后面模仿的人太多了，让人们在回头看就没有那么强的感觉了。性与暴力也是如此，你看的片越来越刺激了。 |
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以前看过一个经典电影叫《洛城机密》，里面有个情节是某犯罪集团会组织一些女孩，给她们整容，整成当时知名女明星的模样，从事卖Y工作。 我当时就感慨果然是资本主义社会，这帮外国人玩的可真花啊！再一看故事竟然发生在1952年，再想想同一时期咱们在干啥，更有一种恍如隔世的感觉。 |
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经典的确会被重新定义，好的作品和创作者们也会被重新洗牌。前段时间就看到一个数据统计，关于现在年轻人给全世界电影导演的新排名。有的大师在他们眼里称不上大师，有些作品的地位下降，有些导演的地位和作品反而提升。但总体的佳作池子还是那么多，而那些无论时代如何更替都不会被改变的经典，也会被真正留存下来。 而讨论这个话题有个前提，首先要给观看者一个定位，比如刚才提到的数据统计，首先是来自那些喜欢电影，关注电影，把电影当成艺术的群体。因为只有他们会去看那些大众不会涉及的所谓高深一些电影作品。而那些电影大师如果用一副扑克牌来比喻，就是54张牌里，级别会发生改变，比如大王和小王会降级，K也许会降为J，10也许会提升为Q。但是对大众群里来说，很多所谓电影大师的作品是与他们绝缘的。 回想我自己喜欢甚至爱上电影的时候，往往不是因为某一部电影，而是一个时间段，一个逐渐观赏升级的过程。比如从奥斯卡获奖作品，到各大电影节获奖作品，再到那些被称为大师的作品，是一个循序渐进的观看过程。如果一开始就停留在一个浅层的阶段，没有被更多经典或者重量级的电影击中，也就不会成为热爱电影，把电影当成艺术的一份子。 那么作为关注大师作品的群体，不太会形成所谓的“时代割裂感”，什么年代的作品对他们来说都是有意义的。比如我在看上世纪五六十年代的文艺片时，你会看到属于那个时代的某种特色。喜欢电影的人，往往不会因为主题或时代陈旧而产生割裂感，他们会对影片的拍摄手法，以及导演的深刻表达而被吸引，从而确立某部电影在他们心中的地位。 这也是为什么，我们现在仍然可以重看类似《四百击》这样更古早时期的大师作品，它们被定义为新浪潮的代表作，正是因为这些导演完成了超越时代的作品。很多电影佳作都具备这样的特性，就是放在当下，也许觉得久远和陈旧，但是在当时往往是超前的作品。第一个尝试新理念和新手法的电影导演，他的作品和他本人都会被世界铭记。 从这个层面来说，很多导演的不可替代性也就在于此，他们是第一个“吃螃蟹的人”，第一个这样拍电影的人。比如还是以问题描述里提到的《四百击》为例，最后的奔跑长镜头，主角一直跑到海滩，用这种方式表达一种迷惘和成长的伤痛，在此之前没有这样有冲击力的表达。之后再有人用类似的手法就只能是一种拙劣的模仿。虽然有人也会厌烦这种极端的方式，但第一个敢这么做的人就会被另眼相看。 同样作为法国新浪潮的代表人物，戈达尔拍摄的电影作品要比特吕弗更极端，那些跳切镜头的大胆使用，也是之前很多电影创作者不敢轻易挑战的。他的代表作《精疲力尽》等，那些节奏就比《四百击》更快，可以说是站在长镜头的另一个极端。而无论是怎样拍摄手法，都是对于那个时代的挑战。 而提到长镜头，当有创作者还想用极端方式来表达的时候，往往还是会用类似的方式表现，比如蔡明亮的《爱情万岁》，就让演员杨贵媚在结尾不但走很长的路，还要在公园里哭上五分钟。这种极端手法，恐怕也不是大多数人可以接受的，但某种程度上，作为一部文艺片，还是会得到更多国际电影节的青睐。 所以很多电影大师的作品，首先就是和普通观众拉开距离的，大部分电影都是需要观看门槛的，往往可能是这部分感受才会给一些观众带来所谓的割裂感。而还有一些作品，他们超越时代几十年，现在拿出来看，发现其中的理念不会陈旧，除了粗糙的技术层面暴露了拍摄年代外，理念却十分超前，比如1995年的动画电影《攻壳机动队》。年轻的时候看不太懂，现在重看，发现其中对人工智能的思考，好像就是刚拍摄完成的新片。 所以当时代不断前进，当我们回看曾经那些超越时代的电影，才会对导演充满敬意。再比如森田芳光1996年拍摄的《春天情书》，男女主角在电影社区留言板上谈情说爱，相约线下见面时，手里拿着的还是很多年轻人没有见过的电脑磁盘。现在看来这些情节非常陌生，但想想拍摄的年代，对当时的观众来说却非常新潮。而那个在火车车厢里和远处互相招手互拍的情节，是任何时代都不会陌生的表达，只不过录像机可能换成了手机而已。 而真正会产生割裂感的，是被当今时代观看影像的方式决定的。在碎片化和短视频习惯的冲击下，能够坐下来专注于一部电影是对现在年轻人的挑战和考验。一个两小时甚至更长的电影，对很多新时代成长的人来说，是一个相对陌生的旧事物。 在短视频观看数据超过观影数据的当今时代，别说大师作品，就是层出不穷的商业娱乐片，往往都没有人愿意花更多时间去观看了，毕竟在影院里，不能快进和倍速观看。如果在这个快节奏的时代，还能有人静下来观看所谓的电影大师作品，无论对电影还是观众，都是可遇不可求的事情。 如果你能在影院里观看一部电影大师的作品而不感到乏味，也没有任何割裂感，那么恭喜你，你是一个可以欣赏高端艺术的那类人。但同时悲观层面来说，这样的电影更像是一个有年代感的古董，像画作和摄影作品一样变成离网络时代更遥远的艺术形式。而你，在享受观看电影的幸福感时，也可能成为大众眼中的异类…… 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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有人提到公民凯恩，然而公民凯恩这种例子并不适合……公民凯恩哪怕当年上映的时候，票房都很差，本身当然是好电影，但哪怕在40年代的美国也不是大众喜欢的电影，你还指望在中国2025有多少人喜欢？从绝对数量来看，当然会有不少文艺青年喜欢，从比例来看，必然是极少数。哪怕2025在美国重映，票房也不会怎么样，只有影迷才有兴趣看，你还指望中国有多少非文艺片爱好者喜欢吗？ 年轻一代看老电影，必然有大部分有割裂感，小部分没有，一代人有一代人的审美和价值观，这种没什么好否认的吧…… 都不用说大半个世纪前的电影了，为什么各国都有各种新浪潮，那不就说明新一代连上一代（所谓的上一代可能也就是和他们同时代但是价值观和审美已经不合时宜，也就是创作者可能比他们大15-25岁的一代）的审美都不满意了，何况上好几代呢……如果那些电影一直都能卖钱，我想院线不会放过他们的，拍新电影干什么…… |
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我之前因为要写一个小说片段，就是关于审判的，去看了黑白版本的《12怒汉》，并没有割裂感，好的艺术作品是经得起时间考验的。 当然，那部电影离我所生活环境很远，不管是时间还是空间，但是我能够理解它传达的意思。 送礼物 还没有人送礼物，鼓励一下作者吧 |
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